ARTS et MATIÈRES    

 

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Philippe SIMONNET


1 rue Fyot de la Marche

Dijon 21000

Tel 06 03 05 23 99

contact@philippesimonnet.com

Facebook : philippesimonnet.sculpture

www.philippesimonnet.com




Né à Sens dans l’Yonne. Travaille des pièces déjà travaillées, façonnées par l’homme mais aussi par le temps et c’est là quelles trouvent leur valeur à ses yeux, désormais privées de leur apparente perfection, elles revêtent des couleurs et des aspérités propres aux matériaux naturels.

Les formes simples de ces pièces et le contexte de leur découverte évoquent les artefacts de civilisations passées. C’est en les composant et en les assemblant par la soudure que leurs fonctions initiales s’effacent pour faire naître un nouvel ensemble.


Ella SPLINT


Les Lièvres

71710 St. Symphorien de Marmagne

03 85 54 36 22

www.ellasplint.eu

contact@ellasplint.eu



Ella Splint, d'origine Néerlandaise, a été formée à la sculpture sur pierre aux Pays-Bas en 2003, où elle a appris les bases, les matériaux et l'utilisation des outils.
En 2005 elle s'installe en France.

Être autodidacte, elle travaille avec différents types de pierres, dont chacune a ses propres structures, couleurs et indocilités, élargissant ainsi ses connaissances et sa technique.
Elle s'efforce d'adoucir visuellement l'aspect brut de la pierre et la dureté de la matière en créant des lignes et des formes souples.
Une sorte de champ de force se forme en conservant parfois les parties originales de la pierre, ce qui peut renforcer l'intensité de la sculpture.





Petra PONTE


www.petraponte.com



Petra Ponte est une photographe Néerlandaise, domiciliée dans le  Parc Naturel Régional de Morvan France. Tout au long de sa carrière académique internationale, elle a fait principalement des photos de voyage. Après s'être installée dans le Morvan elle se consacre à la photographie d’art.

Avec sa photographie, Petra Ponte explore le caractère inattendu et surprenant de son environnement. Ses photos sont beaucoup plus qu'une image de la simple réalité. Les objets photographiés sont isolés de leur contexte et montrés sous des angles différents. De cette façon, les photos vont généralement ensemble dans des séries comme des ‘stills’ (images fixes) dans un film scénario. Avec cette approche ‘cinématologique’ elle met en évidence le particulier dans le quotidien. Ses photos sont stylisées, avec une attention aux détails, capturant l'essence de ce qui est dans son «œil d'artiste».




Bettina GHASEMPOOR


Neustr. 10

D-54290 Trier

Tel 00352 621373615

ghasempoor@aol.com

www.bettinaghasempoor.com




Photographie Art conceptuel Littérature

. Etude en histoire de l’art, Ecole du Louvre, Paris

. née 1965 à Saarbrücken, habite à Trèves (Allemagne)

- 2019 nominée pour le prix d’art Robert Schuman

- Novembre 2018 : exposition individuelle à Trèves, Galerie Netzwerk :

« WeltWahrheitWert 1918 2018 - !00 ans - fin de la Grande Guerre »

- Juillet 2018 : Les rencontres d’Arles, exposition individuelle

- Juin 2018 : Les rencontres de Verdun, circuit artistique

- Janvier 2018 : Gregor International Calendar Award, Stuttgart :

Prix de Jury pour la photographie et Photo Award

- 2 expositions individuelles : 2015 Trèves, Galerie Neuesbild,

2013 Konz, Galerie Ansichtssache

- 2 participations salon d’art, Trèves (2016, 2017)

- 11 expositions collectives, Tufa Trier, Neuesbild, ... (2010 - 2018)

- presse:

Photo International, Photo Presse PP02, Profifoto.de, Photo Hits,

dasfotoportal.de, Stuttgarter Nachrichten, Trierischer Volksfreund,

Graphischer Klub Stuttgart, Wochenspiegel, ...



Julie GROSCHE


Juliegrosche.com -  asmbly.co

US +18167769757 - FR + 33768188067







Julie Grosche (née en 1986) originaire d’Alligny en Morvan, vit et travaille à Richmond dans l’État de Virginie aux US et est diplômée de l’École nationale supérieure d’art de Dijon. Son travail vidéo convoque des dynamiques de groupe ou les individus interrogent leur place dans le monde. Des chants et des mantras s’exultent telle l'unique technologie qui connecte les personnages les uns aux autres. Sans distinction entre culture savante et populaire les oeuvres de Julie Grosche, richent d'une polyphony de registres, nous propose une culture de l’image de notre temps. Son travail a été expose internationalement et a récemment été présenté à la Villa du Parc, Annemasse; Like a Little Disaster, Palignano a Mare, Italy; Ditch Projects, Eugene, OR; Galerie Escougnou Cetraro, Paris; Favorite Goods, Los Angeles, Californie; Emerson-Dorsch, Miami, FL; L’Atelier KSR, Berlin, Allemagne; Époque VI VII VI, New York, NY; ESPACES, Cleveland, OH. En tant que commissaire, elle a réalisé des expositions à l’international: Based in Berlin, Berlin, Allemagne; Référence Gallery, Richmond, VA; et Oslo10, Bâle, Suisse. Elle a cofondé PMgalerie à Berlin, Bcc une plateforme curatorial itinérante et ASMBLY basée à New York.



NAEL

Artiste Plasticienne


2 rue Auguste Rodin, 71100 Saint-Rémy

06 11 13 91 03

naelateliercontact@gmail.com

facebook : NAEL atelier






















Je suis née en 1964 à Troyes dans le département de l’Aube.

Je vis et travaille à Saint-Rémy en Saône et Loire depuis 2012.


Depuis de nombreuses années, je dialogue en autodidacte avec les Argiles que j’ai d’abord modelées crues comme des peaux fissurées sur des âmes grillagées…. fragilités apparentes de la vie, mémoires enfouies sur la Terre et dans la terre…. Depuis 2011,  la métamorphose de la cuisson enrichit mes créations.

Les formes sont simples, épurées pour révéler les graphismes quelquefois complexes, ceux de la vie végétale et animale. Je cherche au plus profond des organismes les principes de cette vie ; sous la lumière des microscopes, apparaissent d’étranges similitudes entre le végétal et l’animal.

Dans mes dessins, sculptures et peintures, je perturbe régulièrement les limites de séparation entre végétal et animal. Les oppositions sont lissées, il devient alors plus difficile de discerner ce qui appartient à l’un ou à l’autre monde.

Pour l’église Saint-Saturnin, les 2 installations proposent de réfléchir aux enjeux d’un futur proche. Elles montrent les reliques d’un monde qui tend à disparaître… Elles jonchent le sol, blanches et désincarnées, ou bien sont encore fièrement dressées et protectrices. Les mémoires qu’elles renferment,  si précieuses, sont encore partiellement présentes sous les peaux blanchies ……. l’espoir est ténu mais puissant, la vie se transforme et continue avec nous ou sans nous!


NAEL  ,  Mai  2019





Monique DIRKSE

plasticienne


monique.dirkse@sfr.fr   

tel : 03 86 69 21 85





Hollandaise d’origine, Monique Dirkse a étudié les arts-textiles à l’Académie Royale des Beaux Arts de La Haye aux Pays-Bas. Depuis 2004 elle vie et travaille à Nannay, un petit village dans la Nièvre.


Monique Dirkse travaille en techniques mixtes sur papier, dernièrement surtout en tempera. Après les avoir travaillées, elle découpe les feuilles de papier pour en faire des nouvelles compositions. En appliquant des techniques textiles, comme le tressage ou des petits points, souvent en fil d’or, elle attache les différents éléments, y introduit des petits objets perdus, des fils métalliques ou encore des matériaux qu‘elle trouve dans la nature..

Elle aime jouer avec les contrastes, les différents matériaux et leurs textures, les superpositions, les éléments qui disparaissent, réapparaissent, se cachent. Ainsi naissent des œuvres délicates en plusieurs couches, à la fois ordonnées et désordonnées, claires et mystérieuses. Son travail est précis, délicat et abstrait, il faut bien le regarder de près.

Elle préfère ne pas trop l'expliquer, elle aime laisser à chaque spectateur la liberté d'y accorder sa propre appréciation, son sens à lui.

Ces dernières années elle a également réalisé des œuvres dans l’espace, des formes réalisée à partir des découpages du papier qu’elle a travaillé.






Remko POSTHUMA


Amsterdam

Les Pays-Bas


info@remposthuma.com














 








Eva, porcelaine, 13 x 35 x 240 cm


Le travail que je montre ici concerne la ligne et le volume créé entre les lignes.

L'image se forme à partir du volume entre ces lignes.

Tout comme François Pompon, je cherche dans une image la ligne ultime et le volume dans lequel se joue le jeu des formes.

Contrairement à Pompon, j'ai découpé la forme et laissé l'espace résultante jouer un rôle dans l'image.

J'admire énormément comme François Pompon sait simplifier une forme et comment il sait créer de la beauté avec le pouvoir de la ligne dans ses images. Les volumes glissent d'une forme à l' autre et ensemble ils forment une esthétique intemporelle dans une image puissante





Anne CARDOT

Anne CARDOT & Jean GAZDAC


http://sculpture.over-blog.fr

http://jean.gazdac.com





SCULPTURES

ANNE CARDOT


MONUMENT AU COUPLE INCONNU, monument-reliquaire, comme un charnier rassemblant des sculptures de corps, posé sur quatre colonnes cannelées pour soutenir un fagot de doigt en cristal.

En faisant référence à cet autre inconnu, mort bêtement, je voudrais toucher à l'universalité du sujet de la rencontre (amoureuse), du corps de l'autre si fragile et ...

PIETÀS, chorégraphie des corps dans l’envol ou l’abandon des mains et des pieds, tout le renoncement des membres....

Le thème de la Pietà laïque est à la fois un rapprochement, une fusion, et une exclusion des corps. L'un vivant soutenant l'autre abandonné, avant la séparation physique. C'est une expérience de l'absence qui donne un sens à la palpitation accidentée de la matière vivante : des corps dont la beauté excède les angles, les creux, les bosses, les manques, les taches.

RELIQUES LAÏQUES ET RELIQUAIRES

ANNE CARDOT & JEAN GAZDAC

Cages thoraciques

Comme des boîtes    

Coeurs pantelants, doigts coupés qui touchent La CHAIR                                                             

Objets d’un passé récent

Témoin d’un patrimoine commun

Transfigurés par la matière

Sculptures haïkus pour faire tenir ensemble le monde dans un effort
pour lui donner du sens 

La pâte de cristal bleue, pâte de verre, bronze, argent ou ciment dont ils sont faits, dialoguent entre insigne et insignifiant.

Ce qui a décidé Anne Cardot et Jean Gazdac à travailler ensemble est une même quête de l’émotion, ces émotions ténues qui rendent tangible notre être-

Ensemble ils investissent aujourd’hui le thème des reliques laïques et des reliquaires

Pour l’une comme pour l’autre le corps et l’objet deviennent dépositaires d’une mémoire.

Celle de la vacuité et de la fragilité comme celle du miracle de l’être là





Venitia MANCANI


21000 Dijon


venitia.mancani@gmail.com


Le travail de Venitia Mancani s'articule autour du corps féminin, de la violence qu'il subit, autant que celle qu'il pourrait infliger, mais aussi autour de la notion de pureté et de la vision actuelle de ce qu'est une femme "bien sous tout rapport".

Ses oeuvres, parfois grinçantes, toujours ambiguës, sont traversées de références culturelles, sociales et politiques; Elles sollicitent le spectateur, aspirent à l'échange, à la prise de conscience.




Theodora LENKA



NOUVELLES PERSPECTIVES

Nous rencontrons de nombreux événements au cours de notre vie, nous y attachons des émotions et nous les traitons à notre façon. Certains sont comme une page noire dans notre journal, d'autres nous remplissent de bonheur. Mais nous pouvons changer notre perception de chacun d'eux. L'événement lui-même ne change pas, mais ce que nous en faisons peut nous changer.

J'ai été témoin de l'incendie de notre grange. Dans les mois qui ont suivi, j'ai stocké entre autres des objets métalliques qui avaient été déformés par la chaleur. Je m'en suis servi comme base pour mes dessins et mes sculptures en fil de fer. Cela a changé ma perception de l'événement et des dessins à l'encre avec de nouvelles perspectives et plusieurs objets transformées ont été créés.

Theodora Lenka 2019



CHAMORO


Le premier sentiment éprouvé à l'égard des personnages homomorphes de Chamoro est une admiration pour la performance technique. Qui ne s'est un jour, en effet, essayé à réaliser marionnettes, masques... en papier encollé...toujours trop humides, pas assez lisses, irréguliers... Rien de tel chez l' artiste dont les petites créatures sont esthétiquement parfaites, extrêmement vivantes, à la fois agissantes et statiques, gaies, colorées, serrées comme par instinct grégaire, multiformes et néanmoins conçues avec une grande unité...Ce qui atteste des associations nées au cours des longues heures de recherches formelles de l'artiste , de la richesse des fantaisies surgies de son imaginaire.





 Dominik CURTI


9 grand Menetreuil

58330 Crux la Ville













Description :

Titre : La Dame à la Pirogue (Ou la Dame du Lac)

Taille : 46cm hauteur 58 largeur

Marbre Noire de Belgique avec incrustation des pierres semi-précieuse, Résine et Béton.


Celle-ci pose sur un socle quarrée, blanc.Cette sculpture est née de la rencontre de rêves de voyage, d’Isis, du Nil et de ses felouques qui le descendent au rythme des vent et aussi de la rencontre de trois matériaux : le béton, le marbre et les pierres semi précieuses. Cette vierge primitive nous ramène aux origines Isis déesse noire ou statues océaniennes traversant un tableau de Gauguin. La dame à la pirogue est un objet de méditation, un rêve de voyage. J’aimerai qu’elle vous fasse rêver quelques instants.  









Jacques HENNAUX













Les personnages réalisés par Jacques Hennaux courent après l'illumination.

Ce travail est une recherche d'un instant et d'un mouvement qui se fige sur des petits bouts de papier. Une tentative pour stopper la fuite du temps. Jacques Hennaux modèle avec son pinceau des corps altérés qui évoluent dans des espaces restreints, hermétiques et anxiogènes.






Francis COLIN






















Au début il y a sept toiles en chantier pour sept propositions. Le travail se construit avec des éléments, des idées qui sont jetées sur la surface de manière désorganisée. L'Histoire, des signes, des éléments bruts s'entrechoquent. Des révoltés traversent les époques et créent des liens avec des figures ancrées dans notre mémoire collective.

Ces travaux se sont progressivement rapprochés pour devenir un ensemble cohérent et indissociable, fonctionnant comme un retable, avec ces propres articulations visuelles .

Un fil conducteur relie des images du passé, qui font partie d'un fond culturel et historique commun. Les « Misérables», les Gavroches de toutes époques traversent la peinture accompagnant des cabossés aux cris étouffés.




Jean Francois FONTAINE





Mural – Place Monge – Saulieu - été 2019


Habiller les parois citadines de papiers peints.

Représenter l’actuel brutal sur les murs, les tanières urbaines.

Coller les paniques d’aujourd’hui sur les maçonneries.


JF Fontaine

Sauvage colporteur d’art pariétal


 

Fragiles  -  Moux-en-Morvan -  été 2019


Sur de branlants supports, peindre l’indiscernable de l’Être.

Rencontrer l’interdit, le toucher.

Les couleurs bavent sous la  touche brutale. Dépeindre.

Accoucher de fragiles chahuts.


 JF Fontaine

Pourvoyeur de signes barbares et d’art direct






CHRISTOPHE, sculpture



Dans son atelier, empli d’objets et de matériaux, Christophe compose…

Avec une simplicité de moyens qui lui est propre, il assemble d’improbables éléments utilitaires et les transcende.

Christophe nous propose sa conception épurée –voire minimaliste – de thèmes issus du quotidien, de l’actualité, de la mythologie.

Et même si nous reconnaissons certains des éléments qui composent ses sculptures, son évocation s’impose à nous avec grâce et poésie.

CHD

Les travaux de Christophe sont présents en permanence à la Galerie Béatrice Soulié - Paris



Iet KORTSCHOT


Tel: 0031617946253

www.ietkortschot.nl

i.kortschot@koloriet.com


Creative Community Heesterveld

Heesterveld 34

1102 SB

Amsterdam ZuidOost


Le Maupas

17 Rue de la Diligence 

21430 Sussey

(Côte dÓr) France. 




 

Je m'appelle Iet Kortschot. Depuis 1978, je suis céramiste et j'habite dans la région de Nieuwmarkt, à Amsterdam aux Pays-Bas. Je donne divers cours, dont un cours sur le développement du glaçures , et je donne des conseils sur les projets et les affectations. De plus, je fais mon propre ceramique personnel, .

Actuellement, j'ai un studio à Creative Community Heesterveld à Amsterdam Zuidoost et au Le Maupas en France.


Espace, spatialité, lumière ; Liberté ou oppression ? Possibilités sans précédent ou frontières délimitées ?

Pendant plusieurs années, j'ai réalisé des sculptures tridimensionnelles, dans lesquelles l'espace et le mouvement étaient importants. La série : MOVING PARTS. Aujourd'hui, je travaille sur des paysages tranquilles en deux dimensions mais aussi cachés, dans lesquels l'interaction de l'espace et de la lumière me fascine. J'utilise des glaçures cristallins, qui offrent une énorme variation.


















Isabelle THIBAULT


"la nature en papier" :


mélange de tout,

rebuts de papier et rébus de la vie,

emballages plastiques et fils de fer;

faune, flore, oiseaux du paradis,

totems et rêves,

caprices en papiers pigmentés ,

curiosités pas pygmées,

air de rien et regard enfantin .


un peu d'huile de coude ,

sans doute quelques recettes secretes,

et un poil de folie douce pour rappeler que la vie l'est ;

tout comme la véritable nature .

Isabelle Si




Fabien CHEVILLOTTE


MON ATELIER ME MONTRE

C’est un petit texte sur mes expériences avec le dessin les couleurs ou les morceaux de papiers qui déambulent dans l’atelier.

Le silence que enrobe ces morceaux de cartons de papier colorés ou de morceaux de bois, me permet d’apprécier en eux une nouvelle dimension.

Quelques un survivent après la bataille, et parfois dans ce rien né une fleur –cette experience se produït quand je ne fait rien, quand je suis dans le “non vouloir”-. Le “non faire” me permet de rentrer en silence, d’écouter, voir les possibilités jouer avec l’hasard, et me rendre compte de sa réalité.

Je laisse de côté l’envie de comprendre, je suis uniquement le chant de l’oiseau.

On pourrait dire que l’hasard, l’imprévu aide à ouvrir de nouveaux chemins pour l’expréssion, seulement, quand l’harmonie des éléments gagne en profondeur et magie.




Philippe CUSSE


sculpteur paysagiste

14 av Gallieni 93130 Noisy le Sec

0676812902

phicusse@free.fr



«  Creer un jardin c’est la promesse de reconcilier l’homme avec la Nature, c’est lui chuchoter qu’il n’est pas maître du monde du vivant, qu’il est seulement un locataire parmi d’autres de notre planete terre .."




Jeffrey HAINES


Je suis fasciné par l’apparence formelle des éléments appartenant à notre univers quotidien. Lorsque je les manipule, transforme ou juxtapose, ils questionnent les idées préconçues  de la vie de chacun. Les souvenirs sont les déclencheurs de mon processus créatif. Tels des coupes transversales, ils relient de manière métaphorique mon passé à mon présent. Certains de mes travaux contiennent un humour noir. Je vais souvent changer de style et de manière de travailler à travers divers matériaux et méthodes pour élucider mon désir de communiquer des émotions. Je souhaite chatouiller le subconscient de mon audience dans l‘intention de le relier à un univers d’images conscientes. Ce dernier travail est une vision simplifiée de la relation de la jeunesse d'aujourd'hui avec la religion. L'écran, tablette… téléphone… a remplacé le contact humain. Les icônes religieuses du passé ont été remplacées par des emojis et ce qui était autrefois personnel est devenu vide de sentiment.


Jeffrey Haines



Renny PIENING











Après le Lycée,  très jeune, j'ai suivi une éducations pour devenir plasticienne, dessinateur, professeur d'Art et professeur de l'histoire de l'Art.

Avec mon mari j'ai eu une galerie d'art contemporain ou j'ai participe a des expositions diverses aux Pays-Bas, Allemagne, États-Unis et maintenant en France.

Aujourd’hui ' étant retraitante, j'habite en Cote d'Or ,Bourgogne , dessiner en toute liberté d’après modelé vivant.

Je faut considérer le thème "La vie dessine la Forme"aussi littéralement que figurativement.

Maintenant , avec mon marie Kees, nous ouvrons avec plaisir notre Atelier-Galerie d'Art , Renny Piening,  au centre de Manlay, 24 km a Saulieu.


Adresse;  Auparavant ,  ancien l’hôtel Restaurant Morelle, a cote une formidable église fortifiée.


Ouvert pendant mes heures de travail et sur rendez-vous.( 0623419498 ).



Marc KALBUSCH




 Passionné de la photographie et de la peinture, Marc Kalbusch, né 1958, d‘origine luxembourgeoise et habitant en Allemagne est gérant d’une galerie d'art (non-commerciale) à Trèves depuis 2017, la Galerie Netzwerk.

La complexité de la ville urbaine est toujours un sujet recherché pour lui. Pour cela, il entame un discours dans la ville de Trèves et à la galerie pour trouver des solutions convenable à une vie équilibrée et soucieux de l'environnement.

La diversité de l‘espace humaine lui préoccupe et se reflète dans son art très subtile ... la transformation des formes et la tonalité des couleurs montre l’urbaniste dans lui.

La ville à l'échelle humaine dans son propre langage artistique !


 www.galerie-netzwerk.de

galerie.netzwerk@gmail.com


Estelle REBOURT-OGURA

  Photographe


5 grande rue, Saiserey

21210 Missery


0684782690

      estelle.phototype@gmail.com

      www.phototype.fr     www.blog.phototype.fr




« Cyanotypes -  photographies faites à base de sels ferriques photosensibles."



JO - Agnés

sculptrices


Geoffroy de MONTPELLIER

sculpteur



Lucas PHILIBERT

Graff




Cela fait bientôt 3 ans que j'ai commencé le graffiti.

J'ai commencé dans la rue, lieux abandonnés avec des amis, puis j'ai continué jusqu'à en faire sur tout support !

J'utilise marqueur, feutre et bombes de peinture principalement...


Annemieke HOUBEN

photographie



Madeleine de la BOUSSINIERE

aquarelliste



Karel de BAZET

designer - architecte



Ghislaine GAUTIER

sculptrice



George NIJS



David Smith:

Sculpture is as free as the mind

as complex as life


La sculpture est aussi libre que l’esprit

Aussi complexe que la vie


Philippe Claudel


L'importance de l'art:

saisir l'essence de la vie.

pourquoi nous sommes humains.

qui nous sommes

sans art, nous ne sommes que des animaux.

sans un sens de la beauté nous ne sommes dirigés que

par l’instinct sexuel et un estomac vide.

l'art est notre meilleur côté.


 et oui pourquoi faites-vous de l'art?

pour vous ou pour votre ego?

pour toucher les gens ou pour les réunir?

très souvent je me pose cette question, je pense que

la solitude est ce qui est le pire dans la vie humaine.

quand une oeuvre d'art nous peut réunir en beauté ou en sentiment

c'est le plus élevé




BAP

Plasticien - Designer d'espaces



 https://bap.blog4ever.com/

FB Bap Plasticien-Designer


"Le vrai ou le faux, le réel ou l’imaginaire, la lumière ou l’ombre, la mémoire ou l’oubli, l’autobiographie ou le roman… BAP organise son œuvre autour de simulacres.


Fondée sur le jeu sa création artistique se distingue des pratiques habituelles.

Chacun des motifs et propos de son œuvre déploie aussi bien une dimension fictive que réelle...Ses nombreuses et différentes techniques d’expression et de représentation implique d’emblée un rapport participatif avec le spectateur.


Plasticien subtil, il utilise toute source de création possible comme avec le principe des ombres chinoises, suggérant de nombreuses évocations issues de toutes les cultures et mythologies : la caverne platonicienne, le récit des origines de la peinture par le tracé des contours d’une ombre, la danse macabre des mystères du moyen-âge, jusqu’à l’impression photographique….


Cette ouverture au sens n’entame pas la dimension onirique et ludique de ce théâtre qui, en fonction des lieux, des supports, s’anime selon la configuration à chaque fois renouvelée.


C'est une création sensible, où l’apparente fragilité côtoie la force de l’audace, la présence se double toujours de l’absence, l’apparition de la disparition, la masse de la légèreté, la première lecture de l’œuvre d’une seconde, la narration de la poésie, comme une manière de toujours offrir un possible entre-deux.


C’est une œuvre joyeuse qui vous arrête un instant au bord du chemin."


Claude MARTEL


Annemieke HOUBEN

Photographe



>> Quand Annemieke Houben descend dans la rue, elle le fait rarement sans caméra. Ses photographies n'ont jamais été mises en scène ; ce sont des instantanés de situations qu'elle a traversées.

>> Elle ne se soucie pas vraiment de la technique ou de l'exécution. Ses photographies nous invitent à observer et à participer au monde merveilleux de la rue.

>> En hommage à François Pompon, elle a principalement sélectionné des photographies à thème animalier (interprété librement).




Karel de Bazel

1869-1923


La plupart des meubles de cette chapelle ont été conçus par l'architecte et designer néerlandais Karel P.C. de Bazel (1869-1923).

A l'âge de treize ans, il suit des cours à l'Académie des arts visuels de La Haye. Il a été formé comme architecte, designer-mobilier et

décorateur d'intérieur principalement par Pierre Cuypers (Rijksmuseum et Gare Centrale d'Amsterdam, e.a.), un ami et

admirateur de Viollet-le-Duc. L'architecture de Cuypers était imprégnée de ses idées catholiques, mais De Bazel se familiarisa avec la théosophie et choisit bientôt sa propre voie.

Il faisait partie d'une nouvelle génération de designers néerlandais avec une base idéaliste. Ils se voyaient comme des artistes qui pouvaient amener l'humanité à un plus haut niveau de civilisation avec leurs maisons et leurs intérieurs. Ils installent leurs propres ateliers dans les grandes villes et se sont consacrés sur diverses formes d'artisanat. L'essentiel étaitque les matériaux utilisés soient de haute qualité et que les ouvriers qui effectuaient le travail soient bien payés.

Selon De Bazel, l'âme ne peut vraiment habiter une maison que si la conception des pièces est

parfaitement adaptée au bâtiment. Il a consacré beaucoup de temps à ses créations. Afin d'obtenir

un design harmonieux, De Bazel travaille à partir de doctrines théosophiques et aime emprunter

des choses aux cultures non occidentales. Il s'est inspiré de la sagesse hindoue et des conceptions

égyptiennes. Pour les mesures, De Bazel a souvent utilisé des séries numériques kabbalist, qui ont

été dérivées de 'La Doctrine secrète' par Helena Blavatsky.

Il considérait un intérieur comme un microcosme dans lequel toutes les parties vivaient ensemble et étaient dépendantes les unes des autres. Lorsqu'un musée néerlandais exposa ses meubles modernes

en 1916 et qu'il en vit une photographie, il réagit violemment : ces meubles n'avaient pas du tout été conçus dans un ensemble!

Comment ose-t-on prendre une photo de ça? Le buffet sur la photo est maintenant devant vous.

Son perfectionnisme, son obstination et ses théories théosophiques frustrent parfois ses clients. Néanmoins, De Bazel a reçu de nombreuses commissions de clients de plus en plus importants (et fortunés). En 1909, par exemple, il a conçu leberceau de la reine Juliana, qui a été réutilisé pour l’actuel roiWillem Alexander. Le berceau coûtait alors 15.000 florins (aujourd'hui 176.000 euros). Heureusement la reine en était très satisfaite.

Il nous a laissé une cinquantaine de bâtiments, aujourd'hui pour la plupart

des monuments nationaux protégés.

De Bazel était un créatif polyvalent.

Sa verrerie était très innovante et influente et a toujours l'air remarquablement moderne.

Ses gravures sur bois sont également des objets populaires dans les ventes aux enchères de nos jours.

Quand il mourut en 1923, il n'avait pas encore achevé la plus grande tâche de sa vie : la construction de

l’édifice de la Nederlandsche Handel-Maatschappij,une banque dans le centre d'Amsterdam. L’édifice

était équipé de gadgets ultramodernes et les chambres fortes étaient des tours de force techniques. Ce n'est qu'en 1926 qu'il a pu être mis en service. En 2006, elle a été vendue à la municipalité d'Amsterdam, qui en a établi les archives municipales.

Une grande partie de l'intérieur a ensuite été enlevée.Les fauteuils, une des chaises et les petites tables que

vous trouverez ici font partie du design original dubanque.




Ghislaine GAUTIER


Les artistes  invités